L'eXutoire

Pour nommer cet article, j’ai longuement hésité entre coup de foudre d’écriture ou coup de foudre artistique tant l’univers d’Apes O’Clock (AOC) dépasse tellement leurs mots. Il est tellement plus riche qu’un simple exercice littéraire que je ne voulais pas me cantonner à une dithyrambique déclaration d’amour à leurs textes. Oui, les plumes des grands singes sont des merveilles à chérir, mais j’ai ressenti le besoin d’aller creuser un peu plus loin que la technicité de leurs verbes acérés…

Et puis, je me suis rappelé que je ne suis pas musicienne, que je n’officie qu’avec plumes et pinceaux, alors pourquoi tergiverser ? Parlons écritures, imaginaires, sources d’inspiration et révolte. Approchez, soyez les bienvenu.e.s dans l’univers d’une richesse incontestable des tumultueux dandys punk d’Apes O’Clock. Ça tombe bien, ils viennent de sortir un deuxième album. 🦍

À L’Aube du tumulte

Dans la continuité de leur premier album Le spectacle continue (2019), ce second opus, À L’Aube du tumulte, explore la vanité de l’humanité, ses travers, ses vices, ses massacres, l’effondrement d’un système voué à l’échec. Le tout pourrait offrir un rendu dépressif à souhait si les artistes n’avaient pas teinté d’un son énergique et entraînant leurs textes, rendant le tout festif et dansant. Envolées par une musique percutante aux arrangements qui induisent un soupçon de féerie obscure et mystérieuse, les paroles sombres, révoltées, véhémentes semblent beaucoup plus lumineuses et légères à l’oreille. Voilà déjà une mise en garde sur les apparences trompeuses qui parfument le cabaret désenchanté d’Apes O’Clock. La recette est bien plus complexe qu’il n’y paraît de prime abord et au-delà de la révolte, c’est bien là, pour moi, la thématique de leur univers : ne pas se fier aux apparences. 

Une révolte sourde, un cocktail détonnant

Entends-tu la clameur des foules qui s’éveillent ?
Entends-tu le murmure des esclaves qui se révoltent ?
Entends-tu la rumeur des bêtes qui se soulèvent ?
Entends-tu le pas tonitruant de la Marge franchir le seuil de la société ?
Entends-tu le bourdonnement du tumulte qui souffle sur nos vies ?
C’est celui de notre Terre qui saigne et agonise… 

Apes O’Clock, c’est pour moi une réminiscence de mes amours adolescentes, un cocktail savoureux des musiques de mes années 90 (pour faire une moyenne)…
Prenez la fougue et l’énergie de Silmarils, le cabaret punk des Dresden Dolls (cherchez l’intrus des 90’s), le flow percutant d’Assassin, la révolte incisive des Béruriers Noirs (oups encore un intrus).
Saupoudrez le tout, mais avec parcimonie, de la folie épicée des Tétines Noires 🖤 (rappelez-vous ce groupe déjanté mené par le chanteur Emmanuel Hubaut dont le pied de micro est le plasticien Made in Eric, nu ; d’ailleurs il expose, avec d’autres artistes, à la galerie Fab Lab, à Paris en ce moment – Le langage du corps – Collection agnès b. 9 juin au 22 octobre 2023).
Distillez ces saveurs dans un alambic ancestral.
Brassez avec vos convictions profondes anti-oppressions, vos revendications sociales et sociétales.
Ajoutez une pincée de désespoir climatique et de hurlement bestial.
Laissez fermenter quelques mois dans des ténèbres abyssales et vous recevrez dans votre boîte aux lettres la nouvelle décoction foudroyante proposée par les tempétueux primates rennais d’Apes O’Clock et qui fait Boum Baff dans ta face ! C’était comment déjà ? Ah oui :
« On veut du boum baff, du son qui décrasse
Du boum baff, qui te secoue la carcasse
On veut du boum baff, un refrain tenace
Qui tape dans ta tête, qui fait boum dans ta face »*
Mission accomplie ! 

Embrasser sa part d’obscurité

Commençons par découvrir la Marge, la couche licencieuse de la société. Franchirez-vous son pas pour effleurer la noirceur des bas-fonds ? C’est comme pénétrer l’enfer d’une bibliothèque, tout peut arriver. Êtes-vous prêt.e.s ? 

La cour des miracles

Ne vous laissez pas séduire par ses faux airs d’Arsène Lupin, Le Cabotin, bien que charmant, n’est pas là pour résoudre les mystères de l’Histoire de France en offrant des fleurs aux femmes qu’il séduit sur sa route. La même arrogance se cache derrière ses traits, le même panache, la même sagacité, la même aversion pour la pudibonde bourgeoisie. Certes.

Mais ce Cabotin à la lame aussi affûtée que son verbe semble plutôt tout droit sorti d’un conte de Charles Dickens ou du roman Les Misérables de Victor Hugo (dont Le Cabotin partage le patronyme) plutôt que de l’imaginaire de Maurice Leblanc. Il est prêt à vous poignarder dans le dos, sans aucun doute. Personnage sillonnant les rues, à la marge de la société, il pourrait sévir du côté de Whitechapel et s’allier à Hans Peter Von Barrik pour fomenter des plans de domination du monde capitaliste pour le faire chuter. Des têtes vont sauter… 

D’ailleurs, en parlant de ce cher Hans Peter Von Barrik, cet ingénieux savant alchimiste qui mélange les saveurs sensuelles et éthyliques, qui concocte des breuvages liquoreux pour éveiller vos papilles et endormir vos pupilles, il y a chez lui, le nez de Jean-Baptiste Grenouille et la folie perverse des droogies d’Orange Mécanique. Autant de personnages dont je préférerais éviter les chemins. Il n’est pas bon pour le quidam de croiser le passage de la Marge. C’est comme croiser celle d’une chasse sauvage, la rencontre est bien souvent fatale… pourtant, ces personnalités réveillent les pulsions animales qui sommeillent en chacun de nous et nous étirent presque un sourire sardonique qui ferait pâlir celui de G.N.A.R.K.

Freaks, la monstrueuse parade

La musique qui propulse les vers de Hans Peter Von Barrik est teintée du lyrisme des cuivres et nous emporte dans les draps de tous ces freaks, dissimulées à la lisière de la société, qui déboulent de L’Entresort d’AOC et paradent pour nous faire frissonner par leurs différences. Entrez M’sieurs, Dames, Miz, Transgenres, Agenres, Neutres et Non-Binaires, entrez tel.le.s que vous êtes, gooba gabba, gooble gobble, we accept you…

Moi, ce titre me rappelle « Freaks » des Tétines Noires et le film du même nom de Tod Browning avec l’incroyable Schlitzie ! Rappelez-vous ce film… Même X-Files lui rend hommage dans la saison 2 grâce aux performances des artistes du Jim Rose’s Circus.
Et tout ce qui touche à cet univers de foire aux monstres me séduit depuis des lustres… peut-être parce que je me suis toujours sentie hors de ce monde.
Le public trépigne, mais doit bien se tenir, la parade est là… et elle déploie ses ailes de géante qui ne l’empêchent pas de marcher. Elle s’affirme. Et gare à celle/celui qui cherche à duper le monstre, rappelez-vous comment finit l’acrobate Cléopâtre… 

Les titres Ocieux, je suis et Odieux, je nuis concluent l’album comme les deux facettes d’une même pièce jetée de façon désinvolte à un gredin (pour faire soft) déguisé en mendiant. L’ode à l’oisiveté du jour et l’ode à la bestialité de la nuit enrobées de la délicatesse d’une plume sensuelle.

À l’image du personnage double de Robert Louis Stevenson, à l’image aussi de la binarité de la société ambiante, ces deux morceaux sont comme un appel à embrasser sa part obscure pour définitivement être soi et s’exposer au monde tout en authenticité. Il n’y a pas d’obscurité sans lumière et… inversement. 

Je me délecte des textes. Deux titres aux vers complexes et magistralement interprétés, je suis subjuguée par le flow du chanteur dont la langue ne fourche pas en live. 

Diptyque (j’ai pas dit dytique) qui n’est pas sans rappeler le titre qui ouvre ce second album : Kong. Qui est le King ? Qui est le Kong ? Qui renversera la fange qui domine le monde ? Ce titre s’inspire de l’imagerie du célèbre singe géant (sur l’album, l’image du singe est présente dans 4 morceaux sur 11 si je ne me trompe pas) pour questionner sur la réelle place de roi dans nos sociétés. Qui est en haut du building ? Qui nous assiège ? Qui tombera ? En prime, le morceau offre une tonitruante ouverture à l’album ! Allez ! Boum baff ! Dans ta face ! 

Un imaginaire révolté

Des contes de fée pour croquer la société…

La Marge croise aussi parfois le chemin des contes de fée. C’est ainsi qu’ils étaient autrefois contés. C’est ainsi que les ancêtres prévenaient les enfants des dangers de la vie. C’est ainsi que s’effondre le conte de fée des États capitalistes dévorant la substance, l’essence du Vivant pour faire miroiter une vie meilleure sur les ruines d’un monde qui s’effondre… Il était une fois les ruines d’une société qui s’était dévorée elle-même… Les cendres d’une dernière orgie gargantuesque se dispersent dans le vent sous les yeux de la populace enivrée par le mythe de la croissance infinie, avide de posséder, flouée par les mensonges de voleurs patentés.
Quitte à faire un lien avec un autre titre : « Aux douleurs qui résonnent, l’homme avide reste sourd »**… 

Ici, si je devais analyser le texte, comme à la bonne époque des commentaires composés (oh je suis sûre que ça vous manque), je mentionnerais que les champs lexicaux littéraires du conte de fée et de l’opulente bectance sont goulument exploités. 
Un morceau succulent à déguster du bout des lèvres, pour en savourer la saveur sur la langue, à s’en faire pétiller les papilles. Diantre, il titille le palais.

Petite aparté sur le clip proposé pour Il était une fois que je trouve graphiquement classe et efficace. Tout en silhouette 2D. L’image sert la musique et les paroles. Juste parfait.
Tout comme le graphisme de l’album, signé Simon Douchy, qui sert l’ambiance musicale. Tout est bien pensé, soigné. Les grands singes sont mis à l’honneur et le groupe œuvre pour le roi Kong qui trône sur son siège de géant. 

Climate justice!

Et dans la continuité de la destruction de notre environnement, je vous présente le titre Faux Frères, lettre du dernier primate à son cousin Homo sapiens sapiens… celui qui est dit intelligent, celui de l’anthropocène, celui qui détruit et oublie qu’il est lui-même une facette du Vivant, qu’il fait partie de lui et qu’il n’est pas meilleur. Juste un grain de sable parmi d’autres. Si petit, si insignifiant et pourtant si destructeur… quelle bonne idée ce titre ! Quelle bonne idée d’exprimer la détresse du monde animal par cette missive éplorée ! Mon cœur se brise par empathie pour ce dernier primate à la plume désespérée. 

Ridiculiser l’oppresseur

G.N.A.R.K. et Get it se moquent des oppresseurs représentés d’un côté par les gouvernants à la solde du capitalisme et de l’autre par le chien du gardien du zoo, personnifiant la bassesse de son maître, et ce maître encore plus dominant que le cabot. Des deux côtés, il est question de tourner en ridicule les symboles d’oppression de nos sociétés occidentales qui nous acculent, nous étouffent, nous détruisent. En musique, les opprimés pourront-ils se libérer de l’oppression ? Et comment ne pas avoir le palpitant qui se déchire d’entendre l’oppresseur-chien lui-même opprimé par l’oppresseur-gardien bien plus dominant que lui, alors que le canidé, inspiré par la danse du primate, souhaite se libérer de cette dynamique maître/esclave… sans succès. La pyramide d’oppression s’établit en fonction de la puissance de l’être… encore et toujours… quelle que soit la strate de la société à laquelle on appartient. 
Et pour parler technique, ici aussi, mon âme de poétesse s’embrase pour les différentes allitérations qui ponctuent le texte et rythment la diction des deux chanteurs. Un régal. 

La hargne des Bérus

Le morceau Le Temps des récoltes fontionne en miroir avec La Mauvaise graine (issu du premier EP #1 From Jungle to Downtown – 2015). Les titres se répondent avec près de 8 ans d’écart avec une ambiance similaire. La graine semée a germé, a crû. La composition musicale et la hargne du texte évoquent toujours celles des Béruriers Noirs, à la fin des années 80… 

En 1789, les aristos sont tombés pour que les bourgeois prennent leur place. En 1989, l’Olympia. Porcherie, Petite agitée… Rappelez-vous « plus jamais de 20 % ». Triste monde raciste. Shame on my people. À chaque élection, des larmes de déception. 

L’ambiance sociétale demeure la même (s’empire !) et ces titres fouillent les révoltes silencieuses qui nous habitent et qui grondent jusqu’à nous dévorer. L’escalade de la violence contemporaine promet un bain de sang similaire à celui de la Révolution et qui semble de plus en plus inévitable. Ami.e sens-tu la Terre trembler ? C’est les prémices de l’éruption d’un volcan contenu, compressé, opprimé depuis des dizaines d’années.
Ce n’est pas pour rien qu’un groupe comme Silmarils fait son revival ces derniers temps ; ces gars-là manquaient indubitablement à la scène rock française. 

Et pour parler musique…

Un jeu de calques astucieux

Énorme coup de cœur pour les arrangements subtils, le travail des chœurs qui donne une sacrée profondeur de champs, ainsi que pour les enchaînements créatifs entre les chansons qui donnent des bouffées d’oxygène à l’ensemble de ces 11 titres denses ! Ce jeu de calques offre à l’album diverses strates qui se superposent et à effeuiller pour s’immerger dans le monde simiesque des Rennais. On parcourt À L’Aube du tumulte comme une foire de monstres et les délicates transitions sont d’une fluidité enivrante au point où j’aimerais que la visite ne se termine jamais, la porte d’un nouveau chapiteau est à portée de main… mais 45 minutes, c’est déjà un bel et long album. Alors savourons ce que l’on a avant d’en réclamer davantage. 

Un ovni musical 

Bien que ponctué d’un lyrisme littéraire indéniable, l’univers du groupe ne dépasse pas les limites de l’exubérance excessive. Chaque titre a sa propre personnalité, sa propre orientation musicale. Des breaks bien placés, de la douceur là où il faut, du gros son de guitare heavy lorsque c’est nécessaire, une basse funky, un batteur qui fournit un rythme qui sent parfois le soufre et des cuivres qui énergisent le tout. Apes O’Clock construit un véritable entresort sonore qui les place dans le rayon des groupes inclassables, à la marge de l’industrie musicale, comme Les Tétines Noires, The Dresden Dolls…

Et moi j’aime sans limites ces Ovnis qui osent… 

Apes O’Clock est donc pour moi un énorme coup de foudre artistique qui nourrira mon imaginaire pendant des lustres indénombrables sacrifiés sur l’autel de la créativité (on en reparle dans un épisode Hors Série sur Le Jardin des Délices pour la Samain le 31 octobre, en autres). 

Et en live ça donne quoi ?

Qu’elle soit étroite ou spacieuse, la scène est leur demeure et les planches brûlent sous leur poésie percutante et audacieuse. Ma première vraie expérience avec AOC date d’il y a un an, aux mardis de Maxent (35), en plein mois d’août. Il paraîtrait que je les ai déjà vus, plusieurs années plus tôt en mode déambulation au même endroit, mais pardonnez mon esprit encombré des vapeurs d’un traitement soporifique, je n’ai de ce concert aucun véritable souvenir, à part l’image d’une fanfare sympathique. 🙈🙉🙊

Et donc, en août 2022, je me prends une claque d’enfer et peine de ma timidité exemplaire à remercier le groupe de sa performance à la fin du concert… Depuis, je les ai revus plusieurs fois et à chaque date, la même énergie émulatrice s’empare de ma créativité. 

Forts d’un nouveau spectacle d’1h30 travaillé en résidence au printemps dernier, les trublions simiesques vous ouvrent les portes d’un cabaret fantastiquement farfelu. La fougue des deux chanteurs est communicative. Ils se font ambianceurs et n’ont pas peur d’aller à la rencontre du public, qui peut parfois paraître hésitant, pour enivrer les spectateurs de leur verbe cinglant. Mention spéciale pour les cuivres qui enrobent le tout de la suave chaleur du Bayou (Marie Laveau, Voodoo Queen forever ❤).

Chaque membre du groupe a un charisme détonnant et l’interprétation de chaque morceau est ciselée (j’allais dire à la perfection, mais on va encore m’appeler dithyrambe). Et vous voilà, pour le restant de l’éternité, envoûté.e.s. Sautez sur l’occasion de les voir en concert, le cocktail est savoureux et vous serez charmé.e.s par ces sorciers sortis d’une autre réalité. 

Allez, on se rejoint de l’autre côté du rideau, le spectacle y continue… ✊

« Tous aux barricades
Barrons le droit chemin
Fini de suivre dociles
On n’est pas des pantins
Tous aux barricades
Mauvaise graine en chemin
D’autres routes sont possibles
Marchons vers demain »
« La Mauvaise Graine », EP #1 From Jungle to downtown, 2015 

Informations complémentaires (non exhaustives) 

• * « Boum Baff », Le spectacle continue, 2019
• ** « Get it », À L’Aube du tumulte, 2023

Sitographie

• Bandcamp : https://apesoclock.bandcamp.com/
• Instagram : https://instagram.com/apesoclock?igshid=MzRlODBiNWFlZA== 
  @apesoclock
• Facebook : https://www.facebook.com/apesoclock
  @Apes O’Clock
• YouTube : https://youtube.com/@ApesOClockOfficiel
  @ApesOClockOfficiel

Discographie

• À L’Aube du tumulte, 2023
• Le spectacle continue, 2019
• EP #2 – Don’t wake me up, 2016
• EP #1 – From Jungle to downtown, 2015

Clips

• Il était une fois – https://youtu.be/OPVPKxKyITY
• Soyez les bienvenus – https://youtu.be/XL_Pw7VI-wY
• Le Spectacle continue – https://youtu.be/28H6N1a1gog
• Voodoo Queen – https://youtu.be/mtrVnViO2vw 

Live sessions

• Rouge – https://youtu.be/PtrPCXPJfWQ
• Requiem et messes basses – https://youtu.be/2XvzymzSRq0
• Shame on my people – https://youtu.be/9U3MbKFcKVw
• La Plume ou le plomb – https://youtu.be/M2Y6cHKpvO8
• Colombia – https://youtu.be/cIqvbiSiLvc

Pour aller plus loin…

• Freaks, Les Tétines Noires – https://youtu.be/7mTsFzRuXuw
• Clip Freaks, Les Tétines Noires – https://youtu.be/B1-VmbqsFMk
• Freaks, La Monstrueuse Parade, Tod Browning – https://youtu.be/nqHPMGyLu78
• Scène mythique du film Freaks, la Monstrueuse Parade – https://youtu.be/W99n083E0IA

Namaste les Dévoreureuses de Mondes,
Coups de foudre d’écritures… Non, il ne s’agit pas là d’écritures saintes, même si, bien évidemment, on pourrait considérer l’acte de créer, quel que soit l’art, comme un acte lié à la divinité et au sacré. Le nombre d’interrogations qui peuvent exister sur la muse, l’inspiration, le puits à créativité commun montrent que de tout temps, la créativité, l’art a intrigué l’être humain. Mais je m’égare, comme d’habitude.

Il est des écritures qui génèrent l’émulation, l’envie d’une bataille de plumes… Je vous partage ici, deux plumes (Rodrigue, Intenable) qui m’ont mise en mouvement, dans un moment où je m’effondrais et m’éloignais de moi-même. Je pense que le fait que ce soit l’écriture de musiciens qui m’interpelle vient du fait qu’en chanson, on se doit d’être précis et direct (encore plus dans le punk où rares sont les morceaux qui dépassent 3 min/3 min 30). Souvent les textes sont courts, avec peu de mots vous devez offrir du sens, un morceau d’âme. Et c’est une écriture qui me fait défaut aujourd’hui. Même pour le Jardin des Délices. Ma plume divague, digresse.

L’émulation : quand les plumes me remuent et me remplument

J’avais besoin d’un coup de foudre (oubliez le sens amoureux du terme, je parle d’électrisation, d’électrochoc et de l’émulation, chère à mon âme, qui en découle) pour me remettre en selle, ça ne change pas. C’est peut-être la soif de dopamine qui m’appelle ou les retrouvailles avec un Idéal. Peu importe. Et, selon les époques, le style d’écriture qui me percute est différent. Je vous parle de quelque chose d’assez intime et puissant et qui transcende ma façon de créer, qui me bouscule et me permet d’aller au-delà des limites que je me pose (et qu’on se pose tous) – ces fameuses pensées limitantes qui encombrent nos perceptions de nous-même et nous empêchent souvent d’avancer, de croire en nos capacités, nos rêves, nos idéaux. Je ne vous apprends rien, n’est-ce pas ? Et je parle assez souvent des murs que je percute et qui me claustrent (façon imagée de parler de mes propres limites virtuelles) dans les fleurs que je cultive dans Le Jardin des Délices (podcast créatif) : « Le Mur invisible », « Camaïeu de gris », « Impostrice », « Une Petite Boîte » (en ligne le 19 mai)… il y en aura d’autres.

Le Jardin des Délices

En parlant du Jardin, j’ai enregistré tous les derniers textes postés en novembre 2022, mis à part « Don’t Give up », que j’ai écrit et posté en janvier, et le dernier sera posté le 20 avril, il s’appelle « Une Faim de loup ».
Depuis, aucun texte ne s’était réellement finalisé, je m’inquiétais, me torturais, me disais que j’allais clore ce chapitre botanique malgré les retours positifs, encourageants et chaleureux (Merci ! 🙏💜). Et ça me brisait le cœur. Je me disais que si un seul de mes textes permettait de toucher une personne, une seule, et de l’accompagner dans sa solitude, alors mon travail était accompli. Il ne fallait donc pas que je lâche ces fleurs qui se développent et réclament leurs sœurs.
Au fond de moi, je sens une morsure profonde lorsque je pense à ce Jardin des Délices. Ce podcast revêt une dimension mystique pour moi parce que ses textes sont parfois incontrôlés et incontrôlables. Une force intérieure me ronge et m’oblige à les écrire, quitte à en perdre le sommeil. Ils sont souvent de l’ordre de la génération spontanée. Par moment, j’entends même une voix qui me les dicte, c’est pour vous dire. C’est ce qui se passe en ce moment. C’est aussi ce que j’exprime dans l’épisode intitulé « D’où viennent les mots ? ». Oui, c’est mystique, et alors ? Et magiquement, l’émulation m’a rattrapée la semaine dernière grâce à une nouvelle plume rencontrée. Vive les insomnies !

Bref, j’étais là pour vous parler de mes coups de foudre d’écritures.

À Fuck toute, À Love toute/Nouvelles de l’Entre-Mondes, Rodrigue

Un album. Un livre. Les deux versants de l’écriture percutante de Rodrigue. C’est une plume qui me fascine depuis près de deux cents lunaisons. Elle est ciselée. Elle est authentique. Elle est pulsionnelle et passionnelle. Rodrigue, c’est un artiste qui ose sortir hors de lui-même pour explorer le monde, les styles et les univers. Écorché, il étale ses plaies à peine cicatrisées. Elles suintent encore. Pas de tabous, pas de peurs. Et moi qui m’effraie de certains mots et de leurs significations sans savoir vraiment pourquoi, sa plume m’hypnotise. M’ensorcelle. Parfois, je la suivrais « N’importe où ! N’importe où pourvu que ce soit hors de ce monde* ! » Elle est un mélange de Kaa et de Méduse. Elle est à la fois corruptrice et séductrice et cela transparaît dans ses mots. Plume sensuelle. Sexuelle. Qui attise l’âme.
« Atteinte à l’intégrité d’un cadavre » est sans doute, pour moi, actuellement, l’un des morceaux (en plus il est engagé !) les plus aboutis de l’artiste, dans l’écriture et dans la (dé)construction musicale qui grimpe en crescendo, comme une pleine jouissance du monde et de la société capitaliste. Sauf que, c’est plus compliqué que ça… Je vous laisse découvrir le texte, la chanson. L’expérience émotionnelle vaut mieux que cent mots.
Je pense aussi au morceau « Cicatrice » envoûtant, enivrant. La plume entaille la chair. Et le rythme du titre accentue l’émotion exacerbée ressentie via les maux (non ce n’est pas une fautte d’ortografe, ni un lapsus, mais bien un jeu de… maux – hum). Il s’agit là de vivre ses blessures, de les partager et de respirer les souffrances engendrées. Rodrigue me donne l’impression d’extirper hors de lui un monstre qui le dévore de l’intérieur et qu’il essaie d’étouffer depuis… depuis… le reste de la phrase lui appartient.

L’écriture est exaltée, lyrique, y compris dans son recueil de nouvelles, Nouvelles de L’Entre-Mondes, où son imaginaire débridé nous régale. La mise en abyme du narrateur est un véritable délice et les personnages qui ponctuent les récits sont à la fois attachants, colorés, imprévisibles. Tout peut arriver. De page en page, on ne cesse d’être charmé.e.
Et sur l’album, lorsque j’entends « Monseigneur l’hiver », je frissonne d’effroi. Les mots sont d’une justesse implacable pour ce morceau engagé sur la thématique du « Je ne savais pas, je n’ai pas vu, je n’ai fait que ce qu’on m’a demandé » et qui teinte de sang nos sociétés depuis des lustres à coups de sacrifices humains 💔. Ce titre est arrangé comme un conte de Noël teinté Tim Burton. L’horreur dans un écrin de douceur.
À Fuck toute, À Love toute, transpire également la résilience, cette force intérieure qui nous permet de résister, de rebondir et de se relever des ruptures existentielles, des traumas, des souffrances physiques et psychiques. La vie nous percute, mais les ressources accumulées par les années servent de substrat riche à l’épanouissement de l’âme et du cœur.
La plume multiforme de Rodrigue m’exaspère autant qu’elle m’inspire. Elle me défie. Grâce à elle, j’ai appris à oser, à moins avoir peur, à dépasser mes limites, à sortir de ma zone de confort. Merci 🙏.

Envier les Vivants, Intenable

On sort du registre rock indé, pour entrer dans le punk-rock. Le son des guitares est beaucoup plus saturé, puissant et l’énergie plus bondissante. La musique véhicule la rage d’exister. Toutefois, et c’est là que le charme opère, Intenable possède une délicatesse dans la façon d’écrire ses textes qui sublime les affres de la vie de l’être humain. Je ne sais par quelle magie l’auteur procède, mais il glisse de la douceur et de la subtilité dans un style qui n’y est pas habitué d’ordinaire (je dis bien d’ordinaire, il y a toujours des exceptions). Ici, la fluidité des mots surfe sur la fluidité des maux, tout en finesse et les multiples douleurs (mort, maladie, souffrance psychique…) sont transcendées grâce à l’énergie débordante du groupe et de sa musique. L’une complète l’autre et réunifie la vie.
Je connaissais uniquement (ou presque) le morceau « Ma Solitude » (que j’affectionne particulièrement du fait de la justesse émotionnelle ressentie) issue de leur premier album, La Cour des grands, avant de les revoir en concert à Vannes, dernièrement, et j’ai apprécié d’être happée par l’énergie scénique du groupe et leur gentillesse. La douceur et la bienveillance, c’est important dans cette société brutale ! Oui, oui.

Sur l’album Envier les Vivants, les titres « Ensemble, en cendres » et « Mer morte » m’ont à la fois brisé le cœur et remplie d’amour. Ce sont de vrais crève-cœurs, mais on est guidé.e tout le long du chemin, on n’est pas isolé.e ni abandonné.e sur le bord de la route. Un ami vous prend la main pour vous soutenir, pour partager votre souffrance. Une bulle de compassion dans laquelle j’ai aimé me lover, malgré sa tristesse.
Réminiscences douloureuses du passé, évidemment, mais je ne me sens pas seule. Et c’est là l’universalité des histoires les plus personnelles. Elles réchauffent les cœurs meurtris. Nous partageons toustes les mêmes histoires.
Et moi, cette écriture, je n’y arrive pas. C’est trop intime, c’est trop personnel, c’est trop… souffrant. Ça bloque à l’intérieur, là, au niveau du plexus, du cœur et ça remonte dans la gorge. Ma plume se paralyse, se glace. Alors, je reste dans le flou, l’éthéré, l’abstrait. Ces deux textes, j’aurais aimé avoir été capable de les écrire… Oui, il y a une légère pointe de jalousie, j’avoue, parce qu’il m’est compliqué de sortir de cette zone de confort-ci.

Si vous avez un peu de temps, mais que vous ne voulez pas écouter l’intégralité de l’album, allez jeter une oreille au morceau « Le Portrait de Marcel », une ode aux anonymes travailleureuses de l’ombre, les invisibles, les petites mains essentielles à la société et méprisées, piétinées par les élites. Ce titre est peut-être un peu moins déclenchant émotionnellement que les deux autres précédemment cités, mais c’est une pépite entêtante… une pépite d’empathie. Et la justesse des mots choisis me fascine. La plume est précise, percutante, fluide. À elle seule, cette chanson montre une partie de l’étendue des capacités du groupe Intenable en matière de musique et de paroles. Comme le titre « L’époque ».
Envier les Vivants est un album riche et mélodique, magnifique graphiquement grâce aux sublimes dessins de A.Przynierska. Ils accompagnent tellement bien l’ambiance de l’album. Les multiples chœurs (Membres du groupe ou chorale) offrent une touche apaisante aux rythmes punk-rock, comme des bouffées d’oxygène qui redonnent vie pendant une crise d’angoisse, une dépression.
Mêler subtilité, émotions vives, douceur, bienveillance, compassion, empathie et considérations sociales, dans un seul et même texte, n’est pas aisé à accomplir, et pourtant la poésie d’Intenable réussit à tenir la route sur la longueur et elle leur permet de construire un album équilibré, pertinant et (af)fûté. Respect.

Un exutoire

Rodrigue est dévoré, Intenable est becqueté…
Qui souffre de la morsure de l’Ogre-Vie ?
Pas de préférence, pas d’échelle, pas de jugements.
Moi j’me pétrifie dans ma petite boîte.
Alors que je n’ai cité que quelques textes, ma plume, différente, tremble et tache d’encre ma vie…
Et vous, quel rapport vous entretenez avec l’écriture des autres ?

L’écriture est une forme d’exutoire. Elle permet de s’affranchir des règles, d’oser là où la vie, la morale ne nous le permet pas. Et lorsque le travail est effectué intelligemment avec une poésie affûtée, avec bienveillance et compassion, alors les émotions passent sans force. Dans la souffrance et dans l’amour partagés, les doux mots des maux nous emportent en tourbillon infini, des instants suspendus, hors du temps, on effleure l’éternité.

Si vous avez l’occasion, allez voir ces artistes en concert, ça vaut le détour.

Et d’ici là, rappelez-vous, vous n’êtes pas seul.e.s 🙏💜.
J.

Informations complémentaires non exhaustives

Bibliographie

• * Charles Baudelaire, « Any where out of the world, N’importe où hors du monde », in Le Spleen de Paris, 1869
• Rodrigue, Nouvelles de l’Entre-Monde, Fragments des Arts, 2013

Musicographie

• Intenable, Envier les Vivants, 2020
• Rodrigue, À Fuck toute, À Love toute, 2019

Sitographie

Intenable

• Bandcamp
• Boutique
• @intenablepunckrock ou @intenablepunk sur tous les réseaux
• YouTube : Intenable – intenablepunckrock

Le Jardin des délices

• Site
• Spotify
• Applepodcats

Rodrigue

• Site
• Boutique
• @rodrigueweb sur tous les réseaux
• YouTube : Rodrigue – rodrigueweb

Pour aller plus loin

Live

• Intenable, Session live, 2020
• Rodrigue, Live Confinement Isolation 2020
• Rodrigue, L’Entre-Monde Live, 2012

Clips

• Intenable, « Fautte d’ortografe »
• Intenable, « Ma Solitude »
• Intenable, « Le Portrait de Marcel »
• Intenable, « Mono-Tone »
• Rodrigue, « Atteinte à l’intégrité d’un cadavre »
• Rodrigue, « Le Square Morrison »
• Rodrigue, « L’Attache »
• Rodrigue, « L’Indien »
• Rodrigue, « Monokini »
• Rodrigue, « Un Petit Mot de travers »

Namaste les Dévoreureuses de Mondes, 

Vous n’aurez pas de photos. J’ai décidé de respecter la volonté des artistes et de passer le concert à profiter de l’instant, de la musique, des émotions, des énergies puissantes générées par la communion, le partage, la transcendance. 

On a oublié comment on profitait de la musique il y a vingt ans et c’était la meilleure des façons : essayer de porter les artistes pour qu’ils puissent donner le meilleur d’elleux-mêmes. Elle est là la réalité de l’échange entre celleux qui sont sur scène et celleux qui les acclament, elleux aussi ont parfois besoin d’être tenu.e.s par la main, d’être soutenu.e.s, pour s’élever, pour pouvoir faire face à un public exigeant, pour pouvoir donner le meilleur d’elleux-mêmes, pour pouvoir faire leur métier avec passion et illuminer vos yeux, vos vies.

Et j’avoue que j’ai pris un vrai plaisir à assister à un concert avec très peu de téléphones. Et c’est une ancienne photographe de concert qui vous parle…

Jehnny Beth, la fureur de vivre

Le Liberté n’était clairement pas prêt pour Jehnny Beth…

Jouant avec les sonorités indus à la Nine Inch Nails (pas étonnant, l’animatrice d’Arte a bossé sur son premier album avec Atticus Ross, collaborateur de Trent Reznor), le trio a dû aller chercher le public pour en soulever un semblant de clameur. La meneuse, Jehnny Beth, fait pourtant le taff : sensuelle, charismatique et dynamique, elle n’a pas peur de rentrer en contact avec le public en grimpant sur les barrières pour être au plus de près de la chaleur humaine. 

Personnellement, j’avais écouté sur YouTube, je n’étais pas emballée (chacun ses goûts), mais le personnage m’ayant intriguée je suis aller fouiller et me suis abonnée sur les réseaux. J’ai été envoûtée par sa douceur et sa culture underground et j’ai finalement eu hâte de la voir sur scène. J’ai été conquise, elle m’a donné ma dose d’indus, et ça faisait longtemps que je n’avais pas reçu un bon gros son. La suite de la soirée n’allait pas me décevoir niveau gros son.

Merci à Jehnny Beth pour cette percutante ouverture. 

Placebo, la parfaite transcendance 

Alors que les techniciens s’affairent sur scène pour préparer le plateau, J’entends de la musique et des mantras récités. Je cherche d’où provient le son et je suis incapable de savoir si les mantras viennent du public ou des enceintes. Ou de ma tête… 😆 Moi j’aime les mantras (en particulier l’un d’entre eux), alors je me sens à ma place, je m’apaise et je souris. Je sens que je vais voyager.

Parce qu’à l’origine, c’était pas gagné. J’étais sceptique. Comme dit dans un autre article, j’avais arrêté d’écouter Placebo aux alentours des années 2003. Je ne m’y retrouvais plus. Et je dois dire que je me suis réconciliée avec le groupe dès le premier morceau. Exit l’arrogance des débuts, je retrouve un groupe qui s’est épanoui dans sa plume, sa musique et son attitude et c’est très touchant.

Une belle complicité lie les membres du groupe (le duo Brian Molko et Stefan Olsdal d’une part, mais également les musiciens qui les accompagnent : Angela Chan, William Lloyd, Nicolas Gavrilovic, Matt Lunn). 

Le son est puissant, la batterie tabasse, la musique ensorcèle (oui, en digne résidente de Brocéliande, il faut bien que je saupoudre de la magie quelque part), et l’énergie envoyée est profonde, transcendantale.

Les sourires illuminent le visage des musiciens, il y a un vrai plaisir à retrouver la scène et ça se sent. La crise Covid intensifie sans doute le plaisir. 

Les britanniques occupent également l’espace et vont chercher le public. Pas besoin de mots, les gestes sont éloquents et seule la musique suffit. À celleux qui reprochent à Brian Molko de ne pas parler, je répondrai : « il est là pour vous faire voyager avec sa musique, pas avec ses interventions entre les morceaux ». Il est probablement là le message que transmet aujourd’hui le groupe Placebo : la musique seule suffit. 

La communication, la communion passent également par les gestes, les émotions et l’énergie, il suffit de s’ouvrir, d’observer le monde d’un regard différent pour accepter qu’on peut communier en fermant les yeux et en se fondant à l’instant. 

Parler, c’est parfois uniquement flatter l’ego du public et ils ne sont pas là pour ça.

Les paroles deviennent vaines, là ne réside pas l’esSENStiel, la racine de l’art, l’essence de la création. 

Retrouver l’ESSENCE de la musique, je pense que c’est exactement ce que Brian Molko et Stefan Olsdal, accompagnés de leurs acolytes, ont fait ce lundi soir au Liberté, à Rennes. 

Ils m’ont enchantée, je n’ai plus qu’à retrouver Merlin dans ma forêt pour continuer le voyage. 

« Soyez digne d’un don, pas dingue d’un dû. » Maëster 

Aujourd’hui, j’avais envie de nourrir un egregor positif plutôt que de laisser s’exprimer de façon décomplexée l’ego d’un public exigeant la soumission totale de l’artiste – je visualise bien des crocodiles à l’affût de leurs proies. Je trouve les critiques haineuses, égoïstes de plus en plus fréquentes et elles me déchirent le cœur. 

Non, les artistes ne vous doivent pas tout. Ils ne sont pas là non plus pour satisfaire chacun des egos présents dans la salle ou l’assistance. C’est fondamentalement impossible. 

Non, les artistes ne vous appartiennent pas. Jusqu’à preuve du contraire, ils sont encore libres de choisir ce qu’ils veulent vous transmettre. 

Non, les artistes n’ont pas besoin d’utiliser la communication verbale ou la parole articulée pour exprimer des émotions et entrer en communion avec leur public. 

Fermer les yeux,  profiter du moment, être ensemble. Accepter de voguer vers un ailleurs, un autre monde l’espace d’un instant. 

Oui, les artistes ont le droit d’être eux-mêmes sur scène sans avoir besoin de prononcer un mot à leur public, ils peuvent tourner le dos à l’audience, cacher leurs émotions, ou encore avoir perdu un proche, être malade et assurer quand même le show du soir… vous ne savez rien de leur vie. 

C’est au public d’être humble, de respecter sa place et de se souvenir qu’un artiste est un être humain que l’on doit respecter et qui vous donne de son temps, de son énergie, de son physique.

En concert, la musique seule devrait suffire… 

Et n’oubliez pas, lorsque vous achetez une place de concert, ce n’est pas uniquement les artistes qui sont sur scène que vous rémunérez, mais la production et toute son équipe, les chauffeureuses de camions et de tour bus, les technicien.ne.s qui montent et démontent le matériel, celleux qui assurent, son, images et lumières, le service de securité, celleux qui surveillent, celleux qui fouillent, celleux qui vous soignent, la location de la salle et tout son personnel, les accueillant.e.s, les ouvreureuses et les placeureuses, les équipes de nettoyages et j’en oublie tellement d’autres. Vous n’imaginez probablement pas le nombre de personnes qui travaillent dans l’ombre pour qu’un concert de ce type puisse avoir lieu. 

Restez zen, ouvrez votre cœur, entrez dans la bulle et accueillez le moment tel qui vous est offert, c’est la meilleure façon de franchir le pas de la transcendance et d’un autre monde. 🙏

Petit ajout du 23 novembre 2022 : Ma publication sur les réseaux sociaux en lien avec ce concert et avec de belles erreurs d’orthographe sur le mot égrégore… tout va bien ^^.

Retranscription des diapos :

Diapo 1 : Placebo + Jehnny Beth – Le Liberté – Rennes – 14 novembre 2022

Diapo 2 : Namaste les Dévoreureuses de Mondes,
Aujourd’hui, via un article, j’avais envie de nourrir un égrégore positif. Je lis beaucoup de commentaires négatifs sur l’attitude d’artistes sur scène. Et ce manque de respect me brise le cœur. Vous pouvez retrouver mon humble avis ici :https://bit.ly/3UWbogs
Mais en attendant, voici quelques réflexions…

Diapo 3 : À l’image de crocodiles à l’affût de leurs proies, certain.e.s fans décomplexé.e.s se lâchent dans des commentaires acerbes sur les réseaux. Pourtant…
Un.e artiste(ici musicien.ne) est un être humain comme un autre, iel ne vous doit rien, iel fait son métier de musicien.ne : Jouer de la musique.

Diapo 4 : La communication verbale articulée n’est pas la seule forme de communication, il suffit d’ouvrir son cœur pour accueillir l’être humain dans son intégralité et respecter son intégrité pour expérimenter ces formes de connexions avec l’autre.

Diapo 5 : En bon être humain, un.e artiste peut aussi avoir des soucis personnels et… the show must go on, parce que derrière sa performance, il y a une grosse machine à rémunérer. Faire preuve d’empathie et de compassion n’a jamais fait de mal à qui que ce soit.

Diapo 6 : Pour entrer en communion avec les zikos lors d’un concert, il faut aussi que le public y mette du sien, fasse un effort, et respecte celleux qui performent sur scène et je vous renvoie plus haut : Accueillir l’autre dans son intégralité et sans filtre.

Diapo 7 : Chacun a sa part à faire. Et le soutien est important pour tirer vers le haut l’énergie de la musique. Moi je visualise ça comme un portail vers un autre univers, accepter de franchir le sas, c’est entrer dans une autre dimension, plus grande et, comme le Tardis, cette dimension est plus grande à l’intérieur.
(Il n’y a pas de smiley Tardis, et ça c’est nul)

Diapo 8 : Bref, tout ça pour dire que lundi soir, j’ai vu des artistes communiquer, chacun.e à leur façon avec le public et que la communion, la transcendance, est possible si le public y met un peu du sien. Pour moi, en tout cas, ça a fonctionné. Merci @placebo et Jehnny Beth pour ce que vous avez donné.

Diapo 9 : Ah oui, et une dernière chose : un concert avec peu de téléphones portables – je ne peux pas dire sans – c’est quand même vachement plus sympa.
Merci à vous de m’avoir lue.

Si vous me côtoyez, vous savez que, régulièrement, j’ai des lubies artistiques qui sont du genre monomaniaques, quitte à saouler mon entourage, même si je me contiens. Cette année, j’ai eu une phase Buffy, The Vampire Slayer qui a duré plus de deux mois, voire trois, d’ailleurs, j’en ai écrit un article que je n’ai jamais publié sur la censure des chaînes françaises, peut-être un jour… Mais ce n’est pas le sujet.
Puis, depuis le mois de juin, je suis retombée dans les bras accueillants (ou pas, c’est vous qui voyez) de Placebo.

Placebo, Never let me go

J’avais mis de côté ce groupe au moment de leur quatrième album, Sleeping with ghosts parce que je ne me retrouvais plus dans leur musique ni dans l’arrogance de leur chanteur, alors j’ai mis de côté. Presque 20 ans… Pourtant, j’avais été bluffée par leur premier album éponyme, puis par Without you I’m nothing et Black market music m’avait bousculé par quelques titres extraordinaires. J’adorais leur côté hors norme, le jeu des genres, l’énergie de leur musique, leurs expérimentations, jusque l’année 2003.
Et en juin de cette année, je ne sais pas d’où c’est venu, j’ai ressenti comme un appel à réécouter leur musique. Oui, ça fait un peu mystique dit comme ça, mais je n’avais aucune raison de revenir vers eux à ce moment-là, je n’ai aucune explication. Dans ma tête, j’ai entendu leur musique, alors je me suis remise à écouter. J’avais besoin d’énergie pour sortir mon premier livre, La Légende de la Méduse, et leur musique me l’a offerte et continue de me l’offrir. Je pense que ce livre, celui qui arrive pour la fin de l’année et mon podcast créatif, le Jardin des Délices n’auraient jamais vu le jour sans cette pulsation énergétique.
Assez rapidement, j’ai appris que le groupe venait de sortir un nouvel album : Never let me go et j’ai été d’emblée conquise. Le groupe a évolué, et je me retrouve à nouveau dans leur choix musicaux et certains de leur textes. Cet album m’a littéralement avalée pendant plusieurs semaines. Il m’a scotchée, d’abord par sa richesse musicale, plutôt surprenante, mais aussi par ses textes singuliers, parfois complexes. Alors, aujourd’hui, Brian Molko prend moins la plume pour parler de sexe ou de drogues (quoique), oui, mais il aborde des sujets tout autant intéressants et qui me touchent particulièrement : l’éco-anxiété et le retour à la Terre (« Try better next time »), la surveillance accrue par les proches et moins proches, les médias, l’autorité… (« Surrounding by spies »), David Bowie, la mort et la violence policière (« Happy birthday in the sky »), le mal-être et l’envie de changer de vie, de disparaître (« The Prodigal », « Chemtrails », « Went Missing »)… Bref des choix d’actualité, pour quelqu’un qui se force à s’adapter à la vie dans une société occidentale bancale et malade et qui réveille l’éternelle question : pourquoi vouloir s’adapter à une société malade ? Qui est le plus malade ? Le marginal ou celui qui s’adapte à la société malade ?

Alors forcément, j’ai été envoûtée et je ne peux que vous conseiller de jeter une oreille attentive ne serait-ce qu’au morceau qui ouvre l’album, « Forever Chemical », à sa harpe (si je ne me trompe pas) distordue et à sa lourdeur indus. Clairement, à l’écoute de cet album, avec les clips, et le nouveau look du chanteur, j’ai eu une réminiscence de mes années Nine Inch Nails (« The perfect drug », pour le look et l’album concept Year Zero).
Véritable objet d’art, cet album a un artwork soigné, c’est d’autant plus rare de nos jours que ça mérite grandement d’être noté, et qui donne vraiment envie de posséder le disque. Et tout ça stimule mon esprit créatif et me donne envie de crier : « Art is resistance !« , comme toujours.

Kazuo Ishiguro, Auprès de moi toujours

J’aime beaucoup les groupes qui poussent à la réflexion jusqu’à proposer des références littéraires (les livres, c’est ma vie, mon obsession, sans eux je ne suis rien). Donc, naturellement, en bonne curieuse qui se respecte, je vais creuser un peu et aller lire les références quand j’en ai l’occasion et surtout le temps. Là, j’avoue, le livre de Kazuo Ishiguro, Auprès de moi toujours…, m’a pris beaucoup plus de temps de lecture que prévu à cause d’un mois de septembre très chargé en réécriture. Pourtant, la lecture est d’une fluidité rare. Et j’adore les récits où la subtilité du fantastique (plutôt SF ici) vous emporte sans que vous ne vous en rendiez compte (mention spéciale à Mélanie Fazi dont les nouvelles fantastiques embrasent mon cœur et mon esprit à chaque lecture grâce à cette subtilité délicate, ainsi qu’au livre mémorable de Marlen Haushofer, Le Mur invisible). Mais nous embarquons d’abord, ici, dans une histoire d’amitié des plus réalistes que l’on suit par flashbacks. Les incursions dans le temps présent, laisse un goût amer qui ronge les entrailles. C’est plutôt étrange, parce que cette sensation est amenée par un seul mot : « don ». Là où on pourrait y voir quelque chose de débonnaire, il n’y a qu’illusion, douleur et sacrifice. On se doute, mais rien n’est expliqué avant la fin… Alors, je n’irai pas plus loin, je n’ai pas envie de vous gâcher le plaisir de la découverte via la lecture et le choc scénaristique. J’ai juste envie de parler de cette chanson qui hante le récit et qui a donné son nom à l’album de Placebo, « Never let me go », « Auprès de moi toujours » en français. Cette chanson entêtante. Celle qui vous rassure et que vous fredonnez pour vous réconforter. La chanson doudou. Elle devient presque un péché mignon qu’on se garde pour soi quand on est seul.e et dans laquelle on se love. On en a toustes de ces chansons-là. Elles n’ont pas besoin d’être extraordinairement originales, mais elle nous parle directement au cœur, cette énergie universelle qui nous traverse toustes. L’énergie la plus importante. L’énergie immuable.
J’ai mis tant de temps à lire ce livre qu’il m’a accompagnée comme un ami pendant plusieurs semaines et ses personnages me manquent. Il y avait longtemps que je n’avais pas eu le reading blues, tiens…
Et puis, cette chanson tisse un récit différent dans plusieurs esprits. Les protagonistes qui lui sont confrontés créent chacun une histoire différente en fonction des émotions liées à la chanson et c’est tellement merveilleux de pouvoir écrire un texte qui permet à chacun d’avoir sa propre rencontre avec les mots, avec son propre imaginaire. C’est un véritable aboutissement pour un parolier, je pense.

Never let me go : le cri de tous les livres

Ce titre, « Never let me go », exprime autre chose pour moi qui suis depuis toujours fascinée par les livres. Il est lié à ma bibliothèque (certains parleront même de collection tant je les accumule et leur accorde d’importance dans ma vie). C’est le cri que je crois entendre dès que je fais du tri et plus particulièrement dès que j’essaie de vider ma bibliothèque. Chacun d’entre eux me hurle « Never let me go », traduction littérale : ne me laisse jamais partir. Comme s’ils avaient tous leur volonté propre et le désir de rester dans le carcan chaleureux de mes étagères. Auprès de moi toujours… Quand je me suis séparée de certains d’entre eux, je l’ai regretté. Et c’est le cri que moi je formule pour chacun d’entre eux. J’ai toujours dit qu’on m’enterrerait avec mes livres, les miens et ceux de ma bibliothèque. Ils sont mes compagnons, mes amis.
J’irai même encore plus loin en vous disant que ce cri, « Never let me go », est celui de toutes les créations (reconnues ou non), elles s’accrochent toutes aux doigts et au cœur de la personne qui lui a donné sa substance dans la matière pour l’offrir au monde. Tant d’heures passés pour lâcher prise… et let it go… l’offrir au monde.
Alors, elle ne nous appartient plus, elle est vôtre, elle est nôtre, elle est tout.

Art is resistance!

P.S. : Tu la sens poindre légèrement la fixette Nine Inch Nails, là ? 😀

Couverture du livre « Le Jardin des secrets d’Osuch et Martin » – Casterman – 2014

Je ne sais pas, je ne sais pas quoi dire mis à part que ce livre (oui ! Les B.D. sont aussi des livres ! Merde !) a fait boumboumer mon cœur.
Je ne sais pas, c’est peut-être la vie de Niki de Saint-Phalle et les mots avec lesquelles elle se raconte… Sa souffrance énorme, sa force et son courage sans borne m’ont profondément touchée.

Les autrices (oui, c’est la féminisation historique de ce mot), Dominique Osuch et Sandrine Martin, nous donne à voir et à lire Niki en toute simplicité dans le ton utilisé (Niki nous prend par la main, le lecteur suit sa vie à ses côtés, elle nous guide à travers son quotidien). Le style du dessin à la fois simple et précis, tantôt noir et blanc, tantôt couleur, rappelle l’artiste et toute la surcharge émotionnelle qui la caractérisait. Elles réussissent à la perfection à nous faire croire que Niki a elle-même dessiné ce livre.
Je pense que c’est l’atout de cette bande dessinée, nous croquons à pleine dent la vie de Niki, nous la vivons avec elle. Impossible de rester stoïque si on aime la femme et l’artiste. Read more »

Excalibur – Centre de l’Imaginaire Arthurien – Comper – avril 2015
© Jessie Chevin

Hier j’ai traversé les mondes et mis un pied auprès de la Dame du Lac et des Chevaliers de la Table Ronde.

A Comper, il est un lieu magique où vous pouvez glisser aisément un pas dans l’Autre-Monde et revenir dans le nôtre sans crainte. Non, il ne s’agit pas de cet autre-monde-là, l’Au-Delà, mais bien celui du Petit Peuple Read more »